Публикации » Доклад преподавателя Чудиновой Вероники Александровны «Средства музыкальной выразительности в классе аккордеона».

23 марта 2020 г.

Доклад преподавателя высшей категории  МБУ ДО «Детская музыкальная школа им. М.Д. Михайлова» г. Канаш ЧР Чудиновой Вероники Александровны  «Средства музыкальной выразительности в классе аккордеона».

 Содержание.

1. Специфические особенности инструмента.

2. Средства музыкальной выразительности как основное условие создания музыкального образа.
   3. Заключение.

4. Список используемой литературы.

 Специфические особенности инструмента.

Каждый музыкант для успешной исполнительской деятельности обязан знать специфические особенности своего инструмента. Аккордеон обладает множеством природных достоинств, которые характеризуют художественный облик инструмента.  Говоря о положительных качествах аккордеона, мы, конечно же, в первую очередь будем говорить о его звуковых достоинствах -  о красивом, певучем тоне, благодаря которому исполнителю-аккордеонисту подвластна передача самых разнообразных оттенков музыкально-художественной выразительности. Задушевная лирическая мелодия звучит также убедительно, как и лихая народная пляска.

Динамические градации аккордеонного звука простираются от тончайшего pianissimo до fortissimo, причем очень ценно то, что аккордеонист может активно управлять гибкостью динамики с помощью пластичных движений меха. Отмечая природные достоинства инструмента, мы обязаны отдавать себе отчет и о его недостатках.  К ним можно отнести отсутствие возможности динамической дифференциации многоголосной фактуры; необходимость применения довольно большой физической силы для управления мехом, что в итоге не может не сказаться на свободе игрового аппарата, а также, с некоторыми оговорками, фиксированную высоту звукоряда. Отдельные аккордеонисты в качестве одного из недостатков аккордеона расценивают отсутствие педали «как у фортепиано». Но ведь, нельзя же требовать, чтобы аккордеон обладал достоинством всех инструментов. В нашем арсенале вполне достаточно выразительных средств, надо только умело пользоваться ими.

Музыка - язык звуков. Она передаёт различные явления жизни при помощи особых выразительных средств. При помощи этих средств композитор выражает в музыке свои мысли, настроения, создаёт свой музыкальный образ. Если художник в рисунке и красках, скульптор в дереве и мраморе, писатель и поэт в словах воссоздают картины окружающей жизни, то композиторы это делают с помощью звуков.

В музыкальном произведении так же, как и в романе, повести, сказке, картине, которую написал художник, есть своё содержание, оно отражает окружающий нас мир. Это происходит через музыкальные образы, которые созданы композитором. Музыкальный образ – это комплекс музыкально-выразительных средств, которые используются композитором в сочинении и направлены на то, чтобы вызвать у слушателя определенный круг ассоциаций с явлениями действительности. Содержание пьесы раскрывается через чередование и взаимодействие между собой различных музыкальных образов. Музыкальный образ – это способ жизни произведения. В зависимости от содержания в музыкальном произведении может быть один или несколько образов. Воспринимая музыку, слушатели, а особенно маленькие дети, прежде всего, чувствуют ее общий характер, улавливают ее настроение. Выражение образного содержания музыкального произведения, его основной мысли передается с помощью средств музыкальной выразительности: мелодия, метроритм, лад, гармония, фактура, динамика, тембр, темп, штрихи.

2. Средства музыкальной выразительности как основное условие создания музыкального образа.

Мелодия — одно из главных средств музыкальной выразительности. Большое и важное значение имеет развитие у учащегося мелодического слуха. Мелодический слух – это представление и слышание мелодии в целом и каждой ее ноты, каждого интервала в отдельности. Работа над мелодическим слухом – это работа над интонацией. Интонация придаёт музыке объем, делает ее живой, дает ей окраску. Мелодический слух интенсивно формируется в процессе эмоционального переживания мелодии и затем воспроизведения услышанного. Чем глубже переживание мелодии, тем гибче и выразительнее будет ее рисунок.

Важной составляющей в работе над мелодией является работа над фразой. Показ преподавателем двух вариантов исполнения эпизода с целью развить умение слышать и избирать необходимое звучание для создания верного музыкального образа. (Преподаватель исполняет, учащийся активно слушает и делает выбор.) Такой метод работы активизирует восприятие ученика и помогает создать образ, которому нужно стремиться.

При работе над фразировкой, которая является одним из средств выражения художественного образа музыкального произведения, вместе с учащимся необходимо обсудить строение фраз, интонационные вершины и кульминационные точки, обратить внимание на дыхание в музыкальной фразе, определить моменты дыхания («Живое дыхание играет в музыке первенствующую роль», – А. Гольденвейзер.)

Дослушивание звука особенно необходимо для достижения цельности и естественности фраз пьесы. Работа над кантиленой, в отличие от других видов технической работы, не эффективна при дремлющем музыкальном чувстве. Эмоциональное отношение к исполняемому, слух – все должно быть мобилизовано, обострено.

Метр – это равномерное чередование сильных и слабых долей такта (пульсация).

Основные типы метра

• Двухдольный метр — одна сильная и одна слабая тактовые доли (полька или марш)
• Трехдольный метр — одна сильная и две слабые тактовые доли  (вальс).
• Переменный метр — меняется на протяжении произведения.

Ритм — с греческого означает «мерность» — это равномерное чередование, повторение коротких и длинных звуков, это согласованность звуков по длительности. Ритм вносит порядок в музыку, выстраивает и согласует звуки во времени, то есть по их длительности.

Всё в мире имеет ритм. Наше сердце — сердечный ритм; есть ритмы мозга, есть суточный ритм — утро, день, вечер и ночь. Смена времён года — это ритм планеты. Хорошо понятен ритм в разных танцах. Все понимают, о каком ритме идет речь, когда говорят: в ритме вальса, марша, танго.

Музыка без ритма воспринимается как набор звуков, а не мелодия. Он влияет на тот или иной характер музыки. Плавный ритм придаёт музыкальному произведению лиричность. Прерывистый ритм создает ощущение тревоги, взволнованности.

 Разные по длительности звуки объединяются в ритмические группы, из которых складывается ритмический рисунок произведения.

Виды ритмических рисунков.

Повторение одинаковых длительностей в произведениях медленного или умеренного темпа создает спокойный, уравновешенный образ.

В произведениях быстрого темпа — этюдах, токкатах, прелюдиях – повторение одинаковых длительностей (часто встречаются шестнадцатые длительности) придает музыке энергичный, активный характер.

Чаще встречаются ритмические группы, объединенные нотами разной длительности. Они образуют разнообразные ритмические рисунки.

Так же встречаются следующие ритмические фигуры:

• Пунктирный ритм (характерен для марша, танца) — обостряет, активизирует движение.
• Синкопа — перемещение акцента с сильной тактовой доли на слабую. Синкопа создает эффект неожиданности.
• Триоль — деление длительности на три равные части. Триоли придают легкость движению.
• Остинато – многократное повторение одной ритмической фигуры.

С первых уроков ученик знакомится с существованием двух основных ладов — мажора и минора. Мы знаем, что мажор и минор могут передавать определённые настроения. А ведь музыка — это прежде всего искусство передачи настроений. Если в музыке есть настроение, значит, в ней есть мысли, и эти мысли находятся в порядке, в согласии.

Высота звуков, лад, ритм, темп неразрывно связаны друг с другом в любом произведении, даже в самом простом — в одноголосной песне. Но более полно, ярко песня раскрывается в многоголосном изложении — с подголосками и разделением мелодии на отдельные голоса.

Многоголосная музыка, в которой одновременно звучат несколько мелодий-голосов, и каждый голос при этом самостоятелен и равноправен с другими, называется полифонической музыкой.

Многоголосная музыка, в которой один голос – ведущий, а остальные – сопровождающие – называется гомофонной. Одновременно звучащие голоса образуют последовательность аккордов, которые называются гармонией.

Гармония тесно связана с мелодией. Гармония дополняет, обогащает мелодию выразительными красками, помогает раскрыть содержание и смысл мелодии и выступает в роли выразительного средства. Музыка ярче и выразительнее, когда мелодия звучит в сочетании с гармонией.

Гармония – в переводе с греческого harmonia означает созвучие.

Главный элемент гармонии — это аккорд – одновременное сочетание трех и более разных по высоте звуков.

 Аккорды создают многоголосную музыкальную краску. Большое внимание педагогами обращается на выразительные возможности гармонии, на необходимость вслушиваться в отдельные гармонии и их сочетания, необходимость стремиться понять их выразительный смысл. Отчётлива роль гармонии в создании состояния неустойчивости (диссонирующие созвучия) и покоя (их светлые разрешения).

По выражению великого русского пианиста и педагога Г. Нейгауза: «Музыка – это искусство звука. А звуковая перспектива столь же реальна в музыке для слуха, как в живописи для глаза». Колорит музыки может изменяться, например, от тревожного к более светлому и наоборот. Колорит – это сочетание красок. Звуковая выразительность является важнейшим исполнительским средством для воплощения музыкально-художественного замысла.

Из главных средств музыкальной выразительности складывается «лицо» любого музыкального произведения. Но у каждого лица может быть множество выражений. И «выражением лица» «ведают» дополнительные средства. Фактура — одно из них. Дословно «фактура» означает «обработка». У каждого музыкального произведения есть своя «звуковая ткань». Когда мы слышим красивую мелодию или необычную гармонию, то нам кажется, что эти средства выразительны сами по себе. Однако, чтобы мелодия или гармония зазвучала выразительно, композиторы используют различные приёмы и способы обработки музыкального материала, разные виды музыкальной фактуры. Фактура — это способ обработки музыкального материала. При работе над фактурными трудностями необходимо уделить пристальное внимание двигательной стороне исполнения. Работа над игровым аппаратом учащегося – стремление сделать его гибким, послушным, должна находиться в поле зрения педагога. Организованность движений должна сочетаться с освобождением от лишних напряжений. Излишние напряжения могут возникать в мускулах пальцев, запястья, локтя, лица, шеи и в др. местах, что может привести в будущем к нежелательным последствиям в исполнении. Значительную пользу в борьбе с напряжениями могут оказать некоторые двигательные приемы: «дыхание» кисти, беззвучное проигрывание трудного пассажа или фигурации.

Значительное музыкально-выразительное средство – это громкость звучания. Динамика. «Возможно передать сто динамических градаций, помещающихся между пределами, которые я называю: ещё не звук, и уже не звук» (Г. Нейгауз).

Динамика — сила звука, динамические оттенки (нюансы) — оттенки силы звука.

Музыкальная динамика снова возвращает нас к первоистокам музыки. Ведь громкие и тихие звуки, как и разнообразные оттенки, существуют и вне музыкальных произведений. Гроза гремит, а моросящий дождик шуршит чуть-чуть слышно; грозен шум морского прибоя, а плеск озера ласков и совсем не страшен. По-разному звучит эхо, то передразнивая наш голос почти рядом, то замирая в отдалении.

И даже такие чисто музыкальные особенности, как crescendo - постепенное нарастание звучности и diminuendo - постепенное ее ослабление, также присутствуют и в природе. Можно посоветовать ребенку прислушаться к тому, как шумит ветер в кронах деревьев, сначала чуть прикасаясь к листьям, затем становясь все громче, все сильнее, захватывая в момент кульминации всю крону целиком, заставляя ее раскачиваться, шуметь и лишь затем постепенно ослабляя свой напор до полного успокоения. Такой характер динамики, который можно было бы схематично изобразить музыкальными знаками cresc., dim., - всеобщий закон любого звучания.

Для создания яркого музыкального образа необходимо продумать динамический план.

Динамические оттенки – важное средство музыкальной выразительности. Они превращают исполняемое произведение в красочное, яркое художественное произведение, а исполнение делают выразительным и эмоциональным.

Еще одно важное средство музыкальной выразительности – тембр.

Тембр – это окраска звука музыкального инструмента или человеческого голоса. Тембр придает эмоциональный характер музыке. У каждого инструмента своя окраска. Одна и та же мелодия звучит по-разному в исполнении различных инструментов. Тембр вокалиста – выразительное средство в вокальной музыке. Красота голоса зависит в первую очередь от тембра – окраски и насыщенности.

Говоря о тембре, уместно привести слова Н.А. Римского-Корсакова: «Искусство сочетания оркестровых звучностей есть одна из сторон души самого сочинения».

Музыкальные тембры нередко сравнивают с красками в живописи. Подобно краскам, выражающим цветовое богатство окружающего мира, создающим колорит произведения искусства и его настроение, музыкальные тембры также передают многоликость мира, его образы и эмоциональные состояния. Музыка вообще неотделима от тембра, в котором она звучит. Поет ли человеческий голос или пастушья свирель, слышится напев скрипки или переливы арфы - любое из этих звучаний входит в многоцветную палитру тембровых воплощений музыки. Музыка как раз и состоит из разнообразия таких воплощений, и в каждом из них угадывается его собственная душа, неповторимый облик и характер. Поэтому никогда композиторы не создают такую музыку, которая может быть предназначена для любого тембра; каждое, даже самое маленькое, произведение непременно содержит указание на инструмент, который должен ее исполнять.

Сочинение музыки — это не только написание стройного ряда нот… Музыка — это еще и общение, общение композитора с исполнителем, исполнителя со слушателями. Музыка – это своеобразная, необыкновенная речь композитора и исполнителя, с помощью которой они раскрывают перед слушателями все то сокровенное, что таится в их душах. Именно с помощью музыкальной речи они устанавливают контакт с публикой, завоевывают ее внимание, вызывают эмоциональный отклик с ее стороны. Как и в речи, в музыке два основных средства передачи эмоций – это темп (скорость) и динамика (громкость). Это два главных инструмента, которые используются для того, чтобы превратить четко отмеренные ноты на письме в гениальное музыкальное произведение, которое никого не оставит равнодушным. При выборе темпа руководствуемся указанием автора. Темп должен позволить ученику услышать и передать разные пласты фактуры, услышать мелодию, ощутить и передать тембровую окраску.

Темп – скорость исполнения, он зависит от содержания и характера музыкального произведения. Колыбельную, например, мы поем в медленном, спокойном темпе. А марш звучит размеренно, в темпе шага.

Темпы в музыке обозначаются на итальянском языке. В начале произведения композитор указывает темп, а иногда и характер исполнения – в темпе вальса, в темпе марша, воодушевленно, мечтательно…

Кроме равномерного и постоянного движения в музыке бывают отклонения от темпа, они делают музыку более эмоциональной, живой, естественной.

Музыкальную речь с постепенными ускорениями и замедлениями можно сравнить с человеческой речью: какие-то фразы мы говорим более оживленно, ускоряя речь, а какие-то, наоборот, с замедлением.

Изменение в темпе, а также темп произведения – важное средство музыкальной выразительности. 

Очень важное средство музыкальной выразительности – штрихи.

Штрихи – это способы звукоизвлечения. От способа звукоизвлечения во многом зависит характер музыки, а значит, и те образы, которые она создает.

Так, например, в пьесах кантиленного характера обычно используются штрихи легато, портаменто, а в пьесах подвижного и скерцозного характера   нон легато, стаккато, сфорцандо.

Основными являются легато, нон легато и стаккато. Остальные штрихи менее распространены. Выбор штриха зависит от характера исполняемой музыки. Поэтому, говоря о штрихах, необходимо учитывать, в каком конкретно художественном произведении данный штрих будет применен, какое содержание и характер музыки он будет призван подчеркивать. Большое значение в звукоизвлечении и, следовательно, в исполнении имеет слуховой контроль.

Прежде чем выполнить определенный штрих на инструменте нужно внутренне услышать его, заранее определить и почувствовать его характер. Умение слушать его помогает выработать звук хорошего качества, овладеть всем многообразием штрихов, тонкостью их выполнения.

3. Заключение.

У каждого искусства есть свой особый язык, свои выразительные средства. В живописи это рисунок и краски. Умело пользуясь ими, художник создает картину. Поэт, сочиняя стихи, говорит с нами на языке слов, он пользуется стихотворной речью, рифмами. Поэтическое слово — это выразительное средство искусства поэзии. Основой танцевального искусства является танец, драматического — игра актеров.

У музыки свой особенный язык — язык звуков.

Подводя итог, хочется отметить, что каждый педагог ищет свой собственный путь в обучении и познании учеником прекрасного, глубокого и безумно красивого мира музыки, опираясь на свой опыт и знания, но, ставя перед собой единую цель и задачу, каждый ожидает увидеть определенные результаты обучения:

1.Ученик приобретет навыки самостоятельного анализа музыкального содержания произведений, научится видеть в тексте и грамотно использовать средства музыкальной выразительности.

2.Приобретет способность управлять в процессе исполнения развитием музыкальной мысли, оперировать образами; активно сопереживать исполняемым произведениям.

3.Проявит интерес к дальнейшему изучению произведений, инициативу в выборе пьес для исполнения, продемонстрирует собственное прочтение изучаемых произведений.

Педагогические принципы, лежащие в основе работы на уроке, помогают наиболее эффективно достичь результатов в обучении:

 учет индивидуальных особенностей развития;

 - доброжелательная атмосфера;

 - создание ситуации успеха;

 - творческий подход;

 - свобода мнения;

 - избегание запрета.

 4. Список используемой литературы:

1. А.Алексеев «Методика обучения игре на фортепиано». М.,1978.
2. Л.Баренбойм «Вопросы фортепианной педагогики и исполнительства». Л.,1974.
3. Г.Нейгауз «Об искусстве фортепианной игры». М.,1982.
4. Е.Либерман «Работа над фортепианной техникой». М.,2003.